Robert van Sice treinou com os melhores — estudou com o lendário timpanista Cloyd Duff no Instituto de Música de Cleveland e aprimorou sua arte com a virtuosa japonesa Keiko Abe. Um aprendiz voraz, ele absorveu todas as habilidades e aproveitou todas as oportunidades que surgiram.

Mas, olhando para seu treinamento, van Sice reconhece que algo estava faltando.

“Aprendi muitas coisas sobre as artes percussivas”, diz ele. “Mas nunca tive uma única conversa sobre o que acontecia do lado de fora do estúdio.”

Apesar dessa lacuna, van Sice construiu uma carreira notável. Em seu primeiro ano no Instituto de Música de Cleveland, tornou-se o mais jovem vencedor da prestigiosa Competição de Concerto. Sua carreira profissional inclui apresentações de concerto, recitais e master classes em quatro continentes. E estreou muitas das peças mais importantes do repertório para marimba, incluindo obras de Martin Bresnick, James Wood e Alejandro Viñao. Agora membro do corpo docente da Escola de Música, van Sice está determinado a garantir que seus alunos não enfrentem o mesmo vazio que ele enfrentou e que estejam prontos para a vida além da sala de ensaio.

“Espera-se que os músicos de hoje sejam intérpretes, educadores, colaboradores, empreendedores e defensores — muitas vezes tudo ao mesmo tempo”, afirma o reitor José García-León. “Com as mudanças na economia das artes cênicas, nos modelos de financiamento e no engajamento do público, precisamos ajudar nossos alunos a construir carreiras flexíveis e sustentáveis que reflitam tanto sua arte quanto as realidades do mundo em que ingressarão após a formatura.”  

Van Sice está empenhado em fazer exatamente isso. Dentro e fora da sala de aula, audições simuladas aprimoram as habilidades de performance de seus alunos, palestrantes convidados oferecem insights sobre o lado comercial da indústria e workshops abordam tópicos essenciais como gestão artística e elaboração de propostas de financiamento — conhecimentos práticos frequentemente negligenciados no treinamento tradicional. Por meio dessas experiências, eles adquirem uma compreensão em primeira mão de como as temporadas são planejadas, o que os maestros buscam em solistas e o que faz uma solicitação de financiamento se destacar. Van Sice garante que eles não sejam deixados sozinhos para descobrir as regras não escritas — lições que ele teve que aprender da maneira mais difícil.

"E se, em vez de ir direto para a faixa de pedestres, eu te puxasse para trás e dissesse: 'Cuidado, esse cara vai te atropelar'?", ele pergunta. "Não seria melhor? Eu tive que aprender minha profissão sendo atropelado por alguns carros. Meus alunos não precisam."

Van Sice vê esse trabalho como parte essencial da carreira de professor — mais necessário agora do que nunca. "O nível de execução em todas as disciplinas instrumentais continua a subir cada vez mais", diz ele. "Portanto, há músicos mais talentosos buscando menos empregos e concertos."

A reitora García-León concorda: “A preparação para a carreira não é algo ‘bom de se ter’ — é uma necessidade. Em última análise, queremos que todos os alunos, independentemente da disciplina ou formação, saiam de Yale com um conjunto de habilidades, relacionamentos e perspectivas que os apoiarão a longo prazo.”

Após sua chegada em 2023, o Reitor García-León priorizou a preparação para a carreira, expandindo e aprimorando um esforço já apaixonado por muitos na Escola. Ele enfatizou a necessidade de uma abordagem abrangente e centrada no aluno, que integre estratégias práticas de carreira com o desenvolvimento artístico.

A liderança de Astrid Baumgardner, docente e ex-diretora de Estratégias de Carreira, é fundamental para esse esforço. Ex-advogada e coach de carreira, Baumgardner trouxe sua vasta experiência em liderança executiva e sua paixão de longa data pelas artes para ajudar músicos em início de carreira a construir carreiras gratificantes e sustentáveis. Ela ministrava workshops na Juilliard e na Manhattan School of Music quando foi convidada para Yale em 2010 para dar palestras e lecionar no Festival de Música de Câmara de Norfolk. No ano seguinte, ingressou oficialmente na School of Music para ministrar um curso semestral e liderar o recém-criado Escritório de Estratégias de Carreira.

Seu curso, Carreiras na Música, orientava os alunos sobre tópicos essenciais que a maioria dos músicos clássicos não estava acostumada a ouvir: liderança pessoal, definição de metas, branding e habilidades práticas de carreira. "Quem é você?", ela perguntava. "Quais são seus valores, pontos fortes, paixões, propósito?". A aula incentivava os alunos a pensar além das carreiras tradicionais e explorar como poderiam levar a música a novos espaços. Os projetos finais variavam de apresentações em estúdios de ioga a colaborações criativas como "Coquetéis e Contraponto", em que os alunos combinavam música ao vivo com drinks.

“Tratava-se de dar permissão às pessoas para pensar grande e criativamente”, diz ela.

Com o tempo, o curso evoluiu para um seminário focado em liderança — agora chamado de Liderança nas Artes do Século XXI. Os alunos trabalham em grupos colaborativos para enfrentar os desafios da música clássica, utilizando o design thinking e o feedback do público para conceber e executar projetos. "A questão central é sempre: como mantemos a música clássica viva e vital em nossa cultura?", explica Baumgardner. Ao longo do caminho, os alunos aprendem habilidades de comunicação, colaboração, negociação e persuasão — ferramentas essenciais para qualquer líder nas artes.

“Nossos alunos estão realmente comprometidos em permanecer no esporte”, diz ela. “Eles querem se apresentar, querem ensinar — e querem saber quais são suas opções.”

A função de Baumgardner e o Escritório de Estratégias de Carreira mais amplo foram criados em resposta ao que Albert Lee, Reitor Associado de Vida Estudantil, descreve como uma "demanda generalizada" tanto dos estudantes quanto da indústria musical por uma preparação profissional mais intencional. Embora os conservatórios tradicionalmente presumissem que a formação musical por si só prepararia os alunos para a área, Lee trabalhou para expandir esse modelo, construindo uma abordagem mais abrangente que reflita os diversos objetivos dos alunos. Isso inclui desde a análise de currículos e preparação para entrevistas até a negociação de contratos e mentoria de ex-alunos.

Assim como Baumgardner, Lee está particularmente empenhado em desmantelar a ideia de que existe apenas um caminho para o sucesso. "Inadvertidamente, damos mais valor a certas carreiras do que a outras", diz ele. "Parte do nosso trabalho é ajudar os alunos a ver que existem muitas maneiras de construir uma vida significativa na música." Isso significa reconhecer diferentes necessidades, desejos e conjuntos de habilidades, e navegar cuidadosamente entre o que pertence ao currículo e o que deve ser extracurricular ou cocurricular. Em última análise, o objetivo é equipar os alunos com "imaginação e resiliência", diz Lee.

Uma parte essencial desse esforço é alavancar a rede de ex-alunos da escola, à qual Lee se refere como "nosso maior trunfo para a preparação para a carreira". Essa rede abrange não apenas recém-formados e artistas consagrados, mas também aqueles que fizeram a transição para outras áreas, oferecendo aos alunos uma visão mais ampla de como pode ser a vida na música.

Juntamente com van Sice, Baumgardner e Lee, a professora de flauta Tara O'Connor trabalha em estreita colaboração com alunos do Diploma de Artista (AD) para criar experiências personalizadas que abordem tanto os aspectos criativos quanto os práticos de suas carreiras. Sua abordagem combina visão de conjunto com orientação prática, garantindo que os alunos não apenas estejam equipados com as ferramentas para a gestão diária da carreira, mas também preparados para o sucesso a longo prazo no mundo da música.

O'Connor desempenha um papel crucial na organização de visitas de artistas convidados. No ano passado, por exemplo, ela convidou Wu Han, Diretor Artístico da Sociedade de Música de Câmara do Lincoln Center, para uma palestra com os alunos. O evento ofereceu aos alunos uma oportunidade única de ouvir insights valiosos sobre o mundo profissional da música de câmara e de se conectar diretamente com uma figura de destaque na área.

“Todos nós convidamos regularmente palestrantes — de apresentadores e produtores a artistas e líderes da indústria — para compartilhar suas perspectivas”, diz O'Connor. “Essas sessões oferecem insights inestimáveis e dão aos alunos a oportunidade de fazer perguntas, expressar preocupações e entender melhor os muitos caminhos que uma carreira na música pode tomar. É um privilégio testemunhar a curiosidade e o crescimento deles em tempo real.”

À medida que a Escola evolui para atender às necessidades únicas dos alunos, a Reitora García-León afirma: "Nossa prioridade é garantir que esses apoios sejam contínuos e personalizados. Cada aluno tem um caminho diferente, e nossa infraestrutura deve ser adaptável e holística."

Uma parte fundamental dessa infraestrutura crescente e adaptável é a fluência tecnológica. O compositor e pesquisador de IA Ted Moore, por exemplo, está preparando alunos para um cenário em rápida transformação. Recentemente, ele lançou um curso sobre música e inteligência artificial.

“Criamos nossos próprios conjuntos de dados (para garantir que não estamos explorando dados de outros artistas) e treinamos pequenos modelos para construir alguma intuição sobre como os sistemas funcionam, ao mesmo tempo em que consideramos as relações entre dados, algoritmos e os humanos que os utilizam”, explica Moore.

Além das habilidades técnicas, o curso de Moore estimula discussões críticas sobre criatividade, autoria e ética. Ao refletir sobre questões como direitos autorais e os impactos ambientais dos sistemas de IA, os alunos ganham insights sobre como a IA está remodelando a maneira como o público, compositores e intérpretes vivenciam a música.

“A IA está se desenvolvendo muito rapidamente, então é difícil prever precisamente como ela impactará nossos alunos”, diz Moore, observando que “a melhor maneira de se preparar para esse mundo é estar informado sobre as questões e ideias críticas que envolvem a IA.

Da mesma forma, o Centro de Estudos em Tecnologia Musical (CSMT) e o Departamento de Produção de Mídia, liderados por Matthew LeFevre, Diretor de Tecnologia, desempenham um papel crucial para garantir que os alunos estejam preparados para o futuro. Localizado no Sprague Hall, o CSMT oferece acesso a um estúdio de gravação profissional e laboratório de informática, projetados especificamente para músicos.

Uma das ofertas mais populares do Departamento de Produção de Mídia é uma sessão de gravação gratuita de três horas, disponível para todos os alunos a cada semestre. "Fizemos quase 70 sessões no ano passado", diz LeFevre. "Os alunos entram, gravam o que precisam e saem com algo que podem realmente usar."

Na primavera passada, LeFevre começou a ministrar um novo curso sobre música e tecnologia, baseado em aplicações práticas. "Tentei manter tudo incrivelmente prático", diz ele. "Mantivemos o foco no panorama geral, concentrando-nos no que os alunos achavam mais interessante e útil." O curso continua a evoluir com base nas necessidades dos alunos, seja aprendendo a microfonar uma apresentação ou a produzir rapidamente uma demo sob pressão de prazo.

LeFevre aponta van Sice como um modelo dessa abordagem prática e centrada no aluno. "Seu método é tão lógico e fundamentado", diz LeFevre. "Faz você pensar: Espera aí, houve um tempo em que não falávamos sobre essas coisas?"

Para Frances Pollock, da turma de 25DMA, a crescente infraestrutura de Yale para desenvolvimento de carreira foi fundamental para ajudá-la a reimaginar seu papel como compositora. Apesar de ter recebido encomendas bem-sucedidas e conexões com a indústria antes de chegar ao campus, ela percebeu uma instabilidade inerente no setor artístico.

Ao mergulhar no que ela chama de "ecossistema de inovação de Yale" — Tsai CITY, a Clínica de Direito de Empreendedorismo e Inovação e a Yale Ventures —, ela começou a conectar os pontos entre empreendedorismo, política cultural e produção artística. "Yale não apenas aprimorou minha voz artística — como também me deu a fluência institucional e o apoio empreendedor para construir algo muito maior", explica ela.

Pollock também aproveitou os recursos internos da YSM, buscando mentoria com professores como Martin Bresnick, David Lang e Chris Theofanidis, além de Lee e Baumgardner. "Todos eles dirão que eu estava em seus escritórios constantemente — fazendo perguntas, buscando conselhos e tentando entender as estruturas institucionais e financeiras que envolvem nossa área."

Essas experiências, diz Pollock, a ajudaram a “redefinir o que um compositor poderia ser — não apenas alguém que escreve música, mas alguém que molda os sistemas por meio dos quais essa música e cultura se desenvolveram”.

Inspirada por sua experiência em Yale, Pollock cofundou a MOC Innovations para ajudar artistas a construir carreiras duradouras e pautadas em valores. O que começou como um coletivo de artistas se transformou em um estúdio de capital de risco que apoia projetos criativos em cinema, performance, publicação e mídia digital. "No cerne do nosso trabalho está a crença de que a produção cultural sustentável precisa de propriedade compartilhada e bases empresariais sólidas", afirma.

A trajetória de Pollock exemplifica uma mudança cultural mais ampla que está ocorrendo na YSM — uma mudança que abraça o pensamento empreendedor e reimagina o que significa prosperar no cenário musical atual. "Já observamos uma mudança de mentalidade entre nossos alunos: mais curiosidade, mais autonomia, mais visão", afirma a Reitora García-León, destacando os esforços da Escola para a preparação profissional.

A prova do sucesso da iniciativa está nos resultados. Svet Stoyanoff '07MM, ex-aluno de Robert van Sice, agora é professor na Frost School of Music da Universidade de Miami. Ji Su Jung '09MM, outro aluno de van Sice, fez história como o primeiro percussionista solo a receber a prestigiosa Avery Fisher Career Grant e agora faz parte do corpo docente do Curtis Institute of Music e do Peabody Institute da Universidade Johns Hopkins. E, recentemente, Vitaly Starikov '26AD — outro aluno orientado por van Sice — ficou em segundo lugar no Concurso Internacional de Piano de Cliburn.

A rede de mentoria — tanto dentro da Escola quanto fora dela — garante que os alunos tenham o apoio necessário, independentemente do tipo de desafio que surja. Como diz van Sice: "É como ser médico. Se o seu joelho doer e você for a um otorrinolaringologista, ele o encaminhará para a pessoa certa. É isso que fazemos aqui. Seja qual for o seu problema de carreira, sabemos a quem encaminhá-lo."

O'Connor concorda: “Um dos pontos fortes extraordinários deste programa é a sua concepção: ele capacita o corpo docente a ensinar esses tópicos essenciais de forma profundamente colaborativa. Juntos, trazemos décadas de experiência e conhecimento — tanto acadêmico quanto prático — aos nossos alunos.”

Cada instrutor e recurso representa uma peça de um quebra-cabeça. Alguns oferecem habilidades práticas, outros oferecem orientação para o desenvolvimento pessoal e alguns desafiam os alunos a refletir sobre suas intenções artísticas e profissionais de forma mais ampla. Em vez de ter uma única equipe focada na carreira, eles existem em toda a Escola, servindo como pontos de contato importantes em todas as etapas da jornada do aluno.

Relembrando sua própria formação, van Sice vê essas oportunidades como uma evolução bem-vinda na forma como jovens artistas se preparam para o futuro. Seus alunos agora têm acesso a uma rede de apoio e recursos que ele teve que construir sozinho.

“Ganhar uma audição e fazer o trabalho são duas coisas completamente diferentes”, diz ele. “A ideia do nosso trabalho é revelar tudo e mostrar como é ser um músico profissional.”