O Programa de Tecnologia Musical do MIT cria um espaço para explorar novos sons, melodias e experiências. Da sala de aula à comunidade, os alunos de tecnologia musical lutam para desenvolver tanto a tecnologia criativa quanto a sua própria criatividade.

No curso 21M.080 (Introdução à Tecnologia Musical), Thelonious Cooper, aluno do curso de 2025, percebeu que tinha as habilidades necessárias para criar seus próprios instrumentos. "Eu posso literalmente fazer um instrumento novo. Acho que a maioria das pessoas não considera isso uma opção. Mas é, sem dúvida", diz Cooper.

Semelhante à forma como o desenvolvimento da fotografia contribuiu para uma mudança radical nas prioridades da pintura, Cooper identifica o potencial das novas ferramentas musicais para "[abrir] caminho para encontrar novas formas de expressão criativa". Cooper desenvolve instrumentos digitais e softwares musicais.

Para Matthew Caren, turma de 25, seus interesses paralelos em ciência da computação, matemática e performance de jazz encontraram uma intersecção no design. Caren explica: "O processo de criação musical não começa quando você, por exemplo, se senta ao piano. Começa de fato quando alguém projeta o piano e define os parâmetros de como o processo de criação será realizado". Quando é a ferramenta que define os parâmetros para a criação artística, Caren argumenta: "Você só pode contar sua história tão bem quanto a tecnologia permitir".

A que propósitos a tecnologia musical pode servir? Ao abordar questões técnicas e artísticas simultaneamente, os criadores de tecnologia musical descobrem novas maneiras de abordar problemas de engenharia, em conjunto com noções humanas de comunidade e beleza.

Ministrada pelo professor Eran Egozy, a aula 21M.385 (Sistemas Musicais Interativos, ou IMS) se concentra na criação de experiências musicais que incluem algum elemento de interação humano-computador (IHC) por meio de software ou interface de hardware.

Na primeira tarefa, os alunos programam um sintetizador digital, um software que gera e manipula tons com as qualidades desejadas. Ao mesmo tempo em que constroem essa base de aplicação de habilidades técnicas complexas à música, os alunos contemplam seus interesses estéticos e criativos em desenvolvimento.

"Como você pode usá-lo criativamente? Como você pode fazer com que ele produza música de uma forma que não seja apenas um monte de sons aleatórios, mas que tenha alguma intenção? Você pode usar o que acabou de fazer para tocar uma musiquinha?", pergunta Egozy.

Seguindo o lema do MIT, "mens et manus" ("mente e mão"), os alunos do IMS propõem, projetam, implementam, testam e apresentam um sistema musical criativo próprio durante o último semestre. Os alunos desenvolvem jogos, ferramentas e instrumentos musicais inovadores, além de compreender os princípios de interface do usuário, experiência do usuário (UI/UX) e HCI.

Depois que os alunos implementarem suas ideias, eles poderão avaliar o design. Egozy enfatiza a importância de desenvolver um "protótipo funcional" rapidamente. "Assim que funcionar, você pode testá-lo. Assim que você testar, descobrirá se está funcionando ou não, e então poderá ajustar seu design e sua implementação", explica.

Embora os alunos recebam feedback em vários momentos importantes, um dia de testes práticos é o "aprendizado mais focado e concentrado que [os alunos] obtêm em toda a turma". Os alunos podem ter suas escolhas de design confirmadas ou suas suposições desfeitas à medida que os colegas testam os limites de suas criações. "É uma experiência muito divertida", diz Egozy.

Imerso em tecnologia musical desde seus estudos de pós-graduação no MIT Media Lab e como cofundador da Harmonix, os desenvolvedores originais dos populares jogos musicais "Guitar Hero" e "Rock Band", Egozy pretende capacitar mais pessoas a se envolverem com a música de forma mais profunda, criando "experiências musicais deliciosas".

Da mesma forma, os desenvolvedores de tecnologia musical aprofundam sua compreensão da música e suas habilidades técnicas. Para Cooper, compreender os "fatores causais" por trás das mudanças nos sons o ajudou a "melhorar a curadoria e a esculpir os sons [que ele usa] ao fazer música com muito mais detalhes".

As tecnologias musicais marcam marcos na história — desde os primeiros instrumentos acústicos até o reino eletrificado dos sintetizadores e estações de trabalho de áudio digital, as decisões de design repercutem ao longo dos tempos.

“Quando criamos as ferramentas que usamos para fazer arte, projetamos nelas nossa compreensão e nossas ideias sobre as coisas que estamos interessados em explorar”, diz Ian Hattwick, professor de tecnologia musical.

Hattwick traz sua experiência como músico profissional e tecnólogo criativo como instrutor de Introdução à Tecnologia Musical e da turma 21M.370 (Design de Instrumentos Digitais).

Para Hattwick, identificar interesses criativos, expressá-los por meio da criação de uma ferramenta, usá-la para criar arte e, em seguida, desenvolver uma nova compreensão criativa é um ciclo de feedback generativo e poderoso para um artista. Mas mesmo que uma ferramenta seja cuidadosamente projetada para um propósito específico, usuários criativos podem usá-la de forma inesperada, gerando novas e crescentes possibilidades criativas em escala cultural.

Em casos de muitas tecnologias importantes de hardware musical, "o impacto das decisões demorou uma ou duas décadas para se concretizar", diz Hattwick. Com o tempo, ele observa, as pessoas mudam sua compreensão do que é possível com os instrumentos disponíveis, ampliando suas expectativas em relação à tecnologia e ao som da música. Um exemplo inovador é a relação entre bateristas e baterias eletrônicas — bateristas humanos se inspiraram em batidas programáticas para aprender ritmos únicos e desafiadores.

Embora designers possam sentir um impulso pela originalidade, Hattwick enfatiza que o design acontece "dentro de um contexto cultural". Designers ampliam, transformam e são influenciados por ideias existentes. Por outro lado, se um design for muito desconhecido, as ideias expressas correm o risco de ter impacto e propagação limitados. A compreensão atual de quais sons são considerados musicais está em tensão com as maneiras como novas ferramentas podem manipulá-los e gerá-los.

Essa tensão leva Hattwick a colocar as ferramentas e as escolhas criteriosas de seus designers humanos novamente em foco. Ele diz: "Quando você usa ferramentas que outras pessoas projetaram, você também está adotando a maneira como elas pensam sobre as coisas. Não há nada de errado nisso. Mas você pode fazer uma escolha diferente."

Baseando seu interesse no hardware físico que embasou grande parte da história da música, Evan Ingoldsby, estudante de graduação em engenharia elétrica e ciência da computação, constrói pedais de guitarra e circuitos de áudio que manipulam sinais por meio de componentes eletrônicos. "Grande parte da tecnologia musical moderna se baseia em usar hardware para outros fins, como filtros de sinal, saturadores e afins, e inserir música e sons neles e observar como [eles] mudam", diz Ingoldsby.

Para Cooper, aprender com a história e com o conhecimento existente, tanto em termos artísticos quanto técnicos, libera mais criatividade. "Adicionar mais ferramentas à sua caixa de ferramentas nunca deve impedi-lo de construir algo que você deseja. Só pode tornar tudo mais fácil", diz ele.

Ingoldsby considera os efeitos inesperados e emergentes de levar ferramentas de hardware, como sintetizadores modulares, ao limite, muito inspiradores. "Aumenta a complexidade, mas também aumenta a liberdade."

A música sempre foi um esforço coletivo, fomentando conexões, rituais e experiências comunitárias. Os avanços na tecnologia musical podem expandir as possibilidades criativas para artistas ao vivo e promover novas maneiras de os músicos se reunirem e criarem.

Cooper estabelece uma ligação direta entre sua pesquisa em computação de alto desempenho e baixa latência e seu trabalho no desenvolvimento de ferramentas musicais em tempo real. Muitas ferramentas musicais só funcionam bem "offline", afirma Cooper. "Por exemplo, você grava algo na sua estação de trabalho de áudio digital no computador e, em seguida, aperta um botão, e o som muda. Isso é superlegal. Mas acho ainda mais legal se você puder fazer isso em tempo real. É possível alterar o som que sai enquanto você toca?", pergunta Cooper.

O problema de acelerar o processamento do som, de modo que a diferença de tempo entre entrada e saída — latência — seja imperceptível à audição humana, é técnico. Cooper se interessa pela transferência de timbre em tempo real, que poderia, por exemplo, alterar o som de um saxofone como se viesse de um violoncelo. O problema se cruza com técnicas comuns em pesquisas de inteligência artificial, observa ele. O trabalho de Cooper para melhorar a velocidade e a eficiência de ferramentas de software musical pode fornecer novos efeitos para músicos digitais manipularem o áudio em um ambiente ao vivo.

Com a ascensão da computação pessoal na década de 2010, conta Hattwick, surgiu um apelo por "conjuntos de laptops" para contemplar novas questões sobre a performance musical ao vivo em uma era de digitalização. "O que significa tocar música com um laptop? Por que isso é divertido? Um laptop é um instrumento?", questiona.

No Fabulous MIT Laptop Ensemble (FaMLE), dirigido por Hattwick, os alunos do MIT buscam a performance musical em um "laboratório vivo". Motivados pelos interesses de seus membros, o FaMLE explora música digital, áudio na web e codificação ao vivo, uma prática de improvisação que expõe o processo de escrita de código para gerar música. Membro do FaMLE, Ingoldsby encontrou um lugar para situar sua prática de design de som em um contexto mais amplo.

Quando as tecnologias digitais emergentes interagem com a arte, surgem questões desafiadoras em relação à criatividade humana. Comunidades formadas por pessoas multidisciplinares permitem a troca de ideias para gerar novas abordagens para problemas complexos. "Os engenheiros têm muito a oferecer aos artistas", diz Cooper. "À medida que a tecnologia avança, acredito que é importante usarmos isso para desenvolver ainda mais nossas habilidades para a prática criativa, em vez de substituí-la."

Hattwick enfatiza: “A melhor maneira de explorar isso é juntos”.